Mehr als Scherenschnitte: das wilde Leben und die einfachen Freuden von Henri Matisse

Wer heute eine Wohnung betritt und nirgends eine von Matisse inspirierte Form entdeckt, ob an der Wand, auf einem Kissen oder einem Teppich, könnte glatt in einer Zeitmaschine sitzen. Matisse ist überall. Wir bei Posterscape finden das keineswegs schlimm. Für uns ist Henri Matisse sogar der Schutzpatron aller Räume, die sich menschlich anfühlen. Sein Leben lang hat er die Kunst auf ihre einfachsten, fröhlichsten Elemente reduziert, und davon profitieren wir bis heute.

Die meisten kennen ihn durch seine Scherenschnitte, jene blauen Akte und Blattformen, die aussehen, als hätte ein sehr begabtes Kind eine riesige Schere in die Hand bekommen. Doch so hat Matisse nicht angefangen. Sein Weg war lang, oft mühsam, und viele sagten ihm, er mache alles falsch. Hier erzählen wir, wie ein gelangweilter Kanzleischreiber aus Nordfrankreich zu dem Mann wurde, der der Welt den Umgang mit Farbe beibrachte.

Der Jurastudent, der einen Malkasten fand

Matisse war kein Wunderkind. Er wuchs nicht zeichnend im Louvre auf. Geboren wurde er 1869 in Le Cateau-Cambrésis, einer kalten, regnerischen Stadt in Nordfrankreich, in einer Familie von Getreidehändlern. Er studierte in Paris Jura, bestand seine Prüfungen und arbeitete als Kanzleischreiber. Ein eintöniges Leben, mit dem er sich abzufinden schien, bis ihn mit 20 Jahren eine Blinddarmentzündung ans Bett fesselte.

Während er sich erholte, schenkte ihm seine Mutter einen Malkasten. Später sagte er, er habe vom ersten Pinselstrich an gespürt, sein „Paradies“ gefunden zu haben. Er gab die Juristerei auf, was seinen Vater kaum begeistert haben dürfte, und zog zum Kunststudium nach Paris. Mehr über seine frühen Jahre lesen Sie auf seiner Wikipedia-Seite.

In diesen ersten Jahren suchte er noch seine eigene Sprache. Seine Landschaften und Stillleben waren solide, aber noch kein „Matisse“. Das änderte sich, als er aufhörte, die Dinge so zu malen, wie sie aussahen, und begann, sie so zu malen, wie er sie empfand. Auf dem Herbstsalon 1905 wirkten Die Frau mit dem Hut und die Bilder seiner Freunde so grell und so frei, dass ein Kritiker sie „Fauves“ nannte, wilde Tiere. Im Jahr darauf zeigte er Lebensfreude (Le bonheur de vivre), und viele Besucher hielten das Bild für einen Scherz oder eine Provokation. Heute sehen wir auf diesem Poster eine friedliche Hirtenszene mit geschwungenen Linien und leuchtendem Orange und Gelb.

Die Zeit der „wilden Tiere“

Der Fauvismus dauerte nur wenige Jahre, doch er veränderte alles. Matisse und sein Freund André Derain beschlossen, dass Farbe die Wirklichkeit nicht beschreiben muss. Wirkte ein Baum auf sie rot, malten sie ihn rot. Brauchte ein Gesicht einen grünen Streifen in der Mitte, dann eben so. Das war radikal, und es war die Geburt der modernen Kunst, wie wir sie kennen. Ein Teil dieser Freiheit kam von Van Gogh: Auf einer Van-Gogh-Retrospektive 1901 in Paris stellte Derain Matisse dem dritten Fauve vor, Maurice de Vlaminck. Woher ihre reine Farbe kam, zeigt unsere Van-Gogh-Postersammlung.

Wir lieben die Energie dieser Zeit, in der es ganz um unmittelbares Gefühl ging. Doch mit den Jahren entfernte sich Matisse von dieser Wildheit und suchte stattdessen „Gleichgewicht, Reinheit und Ruhe“. Seine Kunst sollte niemanden beunruhigen. Er schrieb, sie solle wie ein guter Sessel sein, in dem man sich nach einem langen Arbeitstag ausruht. Das ist ihm gelungen, finden wir.

Sitzender Akt, von hinten gesehen (1913)

Der Süden und das Licht

1917 verließ Matisse den grauen Himmel von Paris und zog nach Nizza an die Côte d’Azur. Es war ein Wendepunkt. Das Licht des Mittelmeers veränderte seine Palette. Er malte Interieurs, offene Fenster und Figuren in Räumen voller gemusterter Stoffe, und das Licht, das durch die Fensterläden fiel, faszinierte ihn.

Seine Arbeiten wurden dekorativer und fließender. Ein gutes Beispiel für seine Arbeit an der Form in diesen Jahren ist Akt mit Halskette und langem Haar (1920), eine schlichte, elegante Studie, die zeigt, wie wenige Linien eine ganze Stimmung tragen können. Er wollte nicht jeden Muskel und jeden Schatten zeigen, sondern das Wesen eines Menschen einfangen. Wenn Sie einmal in Südfrankreich sind, besuchen Sie das Musée Matisse in Nizza. Es liegt in einer schönen Villa aus dem 17. Jahrhundert und besitzt eine der bedeutendsten Sammlungen seines Werks.

Polynesien, das Meer (1946)

Ein zweites Leben: Zeichnen mit der Schere

Das bekannteste Kapitel in Matisses Geschichte begann erst am Ende seines Lebens. 1941 wurde er wegen eines Krebsleidens im Bauchraum operiert. Der Eingriff rettete ihn, doch danach war er meist an den Rollstuhl oder ans Bett gebunden und konnte nicht mehr an der Staffelei stehen. Viele hätten sich zur Ruhe gesetzt. Matisse wechselte einfach das Werkzeug.

Er begann, „mit der Schere zu malen“. Seine Assistentinnen bestrichen große Papierbögen mit leuchtender Gouache; er schnitt Formen heraus und ließ sie an die Wände seines Zimmers heften. So entstanden die Scherenschnitte. Er nannte die Technik „in die Farbe zeichnen“, eine Art, Linie und Farbe in einer einzigen Bewegung zu verbinden. Für uns gehört das zu den inspirierendsten Geschichten der Kunstgeschichte: Aus einer körperlichen Einschränkung erfand er eine völlig neue Art, Kunst zu machen.

Eines der bekanntesten Werke dieser Zeit ist Ikarus (aus Jazz) (1947). Es stammt aus seinem Buch Jazz. Eine schwarze Figur mit rotem Herzen vor blauem Himmel: ganz einfach, und es trifft mitten ins Herz. Es geht nicht wörtlich um den griechischen Mythos, sondern um das Gefühl des Fliegens und die Gefahr des Sturzes. Kühn und grafisch wirkt es heute so modern wie vor achtzig Jahren.

Ein weiterer Favorit aus dieser Zeit ist Polynesien, das Meer (1946). Matisse war 1930 nach Tahiti gereist, und aus seinen Erinnerungen an Licht und Ozean schuf er diese rhythmischen Vogel- und Fischformen. Es ist wie ein visuelles Gedicht über das Wasser; vor diesem Poster spürt man beinahe die Meeresbrise. Ein schöner Beweis dafür, dass Kunst nicht kompliziert sein muss, um tief zu sein.

Warum Matisse bis heute zählt

Vielleicht fragen Sie sich, warum Matisse gerade überall zu sehen ist. Wieso ist ein Mann, der 1954 starb, noch immer der König der Wohnkultur? Wir haben ein paar Erklärungen.

Erstens ist sein Werk unglaublich vielseitig. Weil er mit einfachen Formen und reinen Farben arbeitete, beißen sich seine Poster nicht mit modernen Möbeln. Ob minimalistische Wohnung oder Haus voller Vintage-Fundstücke, ein Matisse-Poster passt fast immer. Es gibt einem Raum Seele, ohne ihn zu überladen.

Zweitens steckt in seinem Werk ein tiefer Optimismus. Matisse erlebte zwei Weltkriege und schwere Krankheit und weigerte sich dennoch, düstere oder zornige Bilder zu malen. Er entschied sich für die Freude: Blumen, Tänzerinnen, das blaue Meer. In einer Welt, die sich manchmal schwer anfühlt, erinnert diese Haltung an der Wand jeden Tag daran, nach dem Licht zu suchen.

Drittens wirkt sein Stil zugänglich. Ein Scherenschnitt sieht aus, als könnte man ihn fast selbst machen, obwohl es unglaublich schwer ist, eine so vollkommene Balance zu finden. Nichts daran schüchtert ein. Es ist freundliche Kunst.

Ihre eigene Bilderwand gestalten

Wenn Sie etwas vom Geist dieses französischen Meisters in Ihr Zuhause holen möchten, beginnen Sie mit unserer Matisse-Postersammlung. Sie vereint frühe Zeichnungen, fauvistische Gemälde und natürlich die berühmten Scherenschnitte.

Oft werden wir gefragt, wie man sie am besten aufhängt. Die gute Nachricht: Es gibt keine Regeln. Sie können ein großes Einzelstück wählen, etwa einen Blauen Akt über dem Sofa, oder mehrere kleinere Poster kombinieren. Matisse passt besonders gut zu Fotografie oder botanischen Drucken: Sein Werk ist so eng mit der Natur und dem menschlichen Körper verbunden, dass es ganz unterschiedliche Stile verbindet.

Haben Sie auch keine Angst vor Farbe. Viele gehen mit Beige und Grau auf Nummer sicher, doch ein Hauch Matisse-Blau oder das Orange der Lebensfreude kann die Energie eines Raums völlig verändern. Er wirkt dann bewohnt und durchdacht.

Lebensfreude (Le bonheur de vivre, 1905)

Ein Erbe aus Schere und Lebensfreude

Matisse arbeitete bis zuletzt. Selbst bettlägerig zeichnete er noch an die Zimmerdecke, mit einem Stück Kohle an einer langen Stange. Er war besessen vom Vereinfachen: die eine Linie finden, die einen ganzen Körper beschreibt, den einen Blauton, der sich wie der Himmel anfühlt.

Wohl deshalb ist sein Werk nicht gealtert. Trends kommen und gehen: Ein Jahr wollen alle den „Industrial Style“, im nächsten den „Landhausstil“, doch Matisse bleibt. Er steht außerhalb solcher Moden, weil er etwas Universelleres suchte, das visuelle Gegenstück zu einem tiefen Atemzug.

Wer tiefer in seine Technik eintauchen möchte, findet beim Metropolitan Museum einen ausgezeichneten Essay zu seiner Laufbahn (auf Englisch). Doch um ihn zu schätzen, braucht es kein Kunstgeschichtsstudium. Sehen Sie sich die Werke einfach an und achten Sie darauf, was sie in Ihnen auslösen. Wenn Sie sich danach ein wenig leichter fühlen, hat Matisse seine Aufgabe erfüllt.

Ein wenig Mittelmeersonne für Ihr Zuhause

Wir sind stolz, diese Werke bei Posterscape anzubieten. Für uns geht es bei Kunst nicht darum, eine leere Wand zu füllen, sondern um die Atmosphäre, in der man lebt. Henri Matisse hat mehr als sechzig Jahre lang versucht, Glück auf Leinwand und Papier zu bringen, und wir freuen uns, es mit Ihnen zu teilen.

Ob Sie die fließenden Linien seiner Zeichnungen aus den 1920er-Jahren mögen oder die kraftvolle Grafik der späten Scherenschnitte: In seinem Werk findet jeder etwas. Stöbern Sie in der Sammlung, finden Sie das Bild, das Sie anspricht, und holen Sie sich ein wenig Mittelmeersonne nach Hause.